« Je ne souhaite pas avoir un très grand studio où mon travail serait de coordonner les gens, parce que ce que j’aime le plus, c’est de designer activement », avoue Tomás Alonso (Vigo, 1974). Tout est né du désir de devenir designer automobile mais il est devenu l’un des designers espagnols les plus internationaux. Le membre fondateur d’Okay Studio, un groupe de designers indépendants basé à Londres, nous invite à nous connecter avec son idée du design.

Parmi vos clients, nous trouvons des marques telles que Camper, Ikea, Swarovski… Est-il plus facile de travailler avec de grandes marques en dehors de l’Espagne ?

Mon expérience est celle d’avoir débuté ma carrière à Londres et d’avoir étudié dans une école comme le Royal College, qui a une certaine réputation et qui représente un tremplin pour ce type de projet. Je pense que dans une ville comme Londres, il y a plus d’opportunités, plus de gens qui organisent des expositions qui offrent plus de visibilité, et ça aide.

Après, chaque client est une histoire différente, mais vous faites des choses qui vous ouvrent des portes et vous créez un portfolio de travaux et d’expériences qui vous ouvrent de nouvelles portes. C’est un mélange de ce que vous faites, de votre façon de travailler, du bouche à oreille, des publications, des expositions… Ce qui fait que plus les années passent, plus on se met en contact avec vous, car vous avez plus d’expériences et de références que les clients potentiels voient. L’idée est d’essayer de se concentrer sur chaque projet le mieux possible. Nous essayons de travailler sur moins de choses mais mieux, pour que le résultat soit bon et parle de lui-même.

Par exemple, chez Camper, ils m’ont contacté pour me proposer de créer une série de magasins « Camper Together », car ils avaient vu mes travaux lors de deux expositions à Londres et à Paris, une série de meubles que nous avons fabriqués à partir d’un tuyau en acier et en bois. Camper a vu cette collection, l’a aimée et a voulu quelque chose avec ce style pour ses magasins.

Comment se déroule votre processus de création ? Pourrait-il s’inscrire dans le « slow design » ou le minimalisme ?

J’ai lu certains articles donnant cette étiquette à notre travail. Je pense que si vous travaillez avec parcimonie, cherchez des solutions, cela prend du temps, c’est slow, mais je le vois comme un label inventé.

Dans mon processus, ce que je répète toujours, c’est d’essayer de passer un temps de « gestation », une période d’absorption pour essayer de comprendre le contexte global de ce que nous sommes sur le point de commencer. Pour moi, il est crucial de bien comprendre le contexte dans lequel vous travaillez, avec qui vous travaillez, car mieux vous comprenez cela, meilleures sont les solutions que vous pouvez proposer. Et il est essentiel de connaître les processus industriels. Si vous ne comprenez pas le processus de production, il est impossible d’obtenir un bon résultat.

C’est la partie fondamentale de chaque projet. Une fois que vous avez cela, vous commencez à mettre bout à bout les idées et à proposer quelque chose qui fonctionne dans ce contexte, avec le client. Parce que le processus n’est pas unidirectionnel, il s’agit d’une négociation.

Et entre le design d’espaces ou le design des produits, lequel préférez-vous ?

Je garderais les deux ! Ce que j’aime le plus et ce qui me comble le plus chaque fois que nous voyons ce que nous avons fait et où nous allons, c’est l’idée de ne pas nous répéter, de travailler sur différentes choses. La variété nous attire et nous permet de continuer à grandir. Je n’aime pas l’idée de fermer les portes et de ne me concentrer que sur une chose. Tant dans le type de projet, que dans le type de client ou de matériau. Par exemple, récemment, nous avons utilisé du papier dans plusieurs projets, mais cela ne veut pas dire qu’il s’agisse de mon matériau préféré. Nous sommes passés par le métal, le bois, le cristal (avec Swarovski), la porcelaine (2016/Arita)… Cette variété de matériaux est également très enrichissante. Vous avez un favori un temps et ce favori change.

Fonction ou forme, quelle est la clé d’un bon design ?

Pour moi, un bon design est celui qui comprend ce pour quoi il conçoit, pour qui, pourquoi, comment… Vous mettez tout en place et trouvez une solution équilibrée et adaptée à ce contexte. Cela dépend du contexte dans lequel vous commencez. La forme et la fonction sont parfois très différentes, mais il y a toujours une partie fonctionnelle. Une fonction qui est parfois plus pragmatique et concrète, avec laquelle chacun de nous peut s’identifier, et d’autres fois plus spécifique et orientée vers un type de personne, client ou public. Par exemple, si vous travaillez avec un galeriste qui souhaite explorer un concept, sa conception ne consiste pas à créer le tableau le plus pratique, mais à communiquer cette expérimentation.

On parle beaucoup de « démocratisation » du design, mais un bon design coûte-t-il cher ?

La plupart du temps oui. Mais cela a à voir avec les entreprises avec lesquelles nous travaillons et avec les quantités qui finissent par être produite. Beaucoup sont de petite taille dans le monde et pensent peut-être que le design doit être proportionnel à sa valeur. Et les économies d’échelle ont également une influence, car produire seulement 1 000 unités de quelque chose, c’est différent d’en produire 100 000.

Bien sûr, le design doit être accessible et la démocratisation est essentielle pour toucher tout le monde, mais cela doit être fait de manière cohérente, sans le dévaluer. Nous sommes à une époque où les prix des choses ne sont pas ce qu’ils devraient : le prix est le plus important au détriment de beaucoup d’autres choses.

Quelles qualités doit réunir un bon designer ?

La curiosité et une façon tangentielle de voir le monde, la capacité de voir les choses depuis plusieurs points de vue. Si vous êtes curieux, vous observez, voyez et analysez en permanence. Il est également important d’essayer de trouver différentes solutions. En fin de compte, la plupart des studios qui fonctionnent bien sont ceux qui vont au-delà de ce qui avait été fait auparavant.

Quel conseil donneriez-vous à un designer qui commence ?

Je lui conseillerais d’être patient car le métier est difficile et prend du temps, comme presque tout dans la vie. Avec l’expérience que vous accumulez, vous travaillez mieux, mais le processus est lent et il est important de le comprendre dès le début et de ne pas tenter de régler le problème très rapidement. Il est également important d’être ouvert à essayer des nouvelles choses et de ne pas avoir peur de se lancer et de sortir de notre zone de confort. Un designer serait une personne qui est à l’aise dans des situations inconfortables.

Si vous étiez obligé de n’en choisir qu’un, lequel de vos travaux garderiez-vous ?

Le processus et la trajectoire sont tellement organiques que je ne pourrais pas… Cela change, comme le matériau ou le type de projet préféré. Mais c’est avec les couverts Stamp Cutlery, que j’ai réalisé l’importance de la relation qui existe entre la forme d’un objet et son mode de fabrication. Je cherchais une alternative aux couverts jetables en plastique et je les ai fabriqués en aluminium, car il s’agissait d’un matériau recyclable et jetable. Je cherchais également un moyen peu coûteux de les produire et ne souhaitais pas utiliser beaucoup de matériel. Ces paramètres que je me suis définis pour la commodité du projet ont donné la forme de ces couverts. Les ingrédients ont donné la forme. Ce projet a été le premier à naître de cette manière et à me faire comprendre ce qui rend les choses bien pensées et bien faites pour moi.

Quel est le projet de vos rêves, ce défi que vous n’avez pas encore relevé ?

Ces deux dernières années, nous avons travaillé sur le design de l’intérieur complet d’une maison avec tous les meubles sur mesure, ce qui est très différent de ce que nous avions fait auparavant. C’est un projet que j’apprécie beaucoup et l’une des choses que je voudrais faire est de concevoir une maison à partir de rien pour ma famille. C’est aussi une façon différente de travailler, mais nous n’avons jamais le temps de le faire comme nous le faisons pour les autres.

Idée, croquis, travail avec des matériaux… Quelle partie de votre travail aimez-vous le plus et pourquoi ?

J’aime rassembler tous les ingrédients que vous observez lorsque vous étudiez le contexte et commencez à voir les solutions possibles, tout d’abord en réfléchissant et en esquissant, puis en le concrétisant en 3D sur ordinateur ou en effectuant des tests physiques en atelier. Le dialogue entre ces trois techniques pour matérialiser quelque chose est la partie du processus que j’aime le plus. Ce que j’aime le moins, c’est d’aboutir à un résultat final, car de nombreux facteurs externes interviennent dans la « concrétisation ».

Est-ce que l’inspiration naît ou se crée ? Avez-vous un rituel, consultez une publication qu’est-ce qui est pour vous une bible…?

La méthode de travail et l’inspiration vont de pair mais séparément. L’inspiration provient de votre quotidien. Étant une personne curieuse, vous absorbez tout le temps. Voyager ouvre des portes sur différentes choses, mais aussi voir des expositions, des films, visiter des usines, voir le travail d’autres designers… Ensuite, vous devez canaliser vos idées et vous avez besoin d’une période de gestation plus isolée et plus tranquille, pendant laquelle vous mettez tout cela derrière vous. Vous essayez de voir les choses d’une manière neutre. Pour cette partie du processus, j’aime créer des situations calmes, dans des atmosphères sans Internet, comme un parc, dans l’avion, la natation ou le vélo… En faisant des activités sans aucun rapport, votre esprit tourne sans influences extérieures.

Êtes-vous plus numérique ou analogique ? Si tant est que l’on puisse être analogique au 21ème siècle…

Je pense qu’il est difficile d’isoler les deux. Je suis numérique, car c’est dans le monde dans lequel nous nous trouvons en ce moment. Mais la partie analogique du dessin et de la représentation manuelle est irremplaçable et je ne vois pas cela comme quelque chose de romantique ou de désuet, cela me semble fondamental pour un designer d’avoir ce contact physique avec ce qu’il fait. Nous avons un atelier dans le studio où nous pouvons faire des choses, et nous avons également l’avantage que les outils numériques nous permettent aujourd’hui de visualiser, d’absorber, de produire des résultats beaucoup plus rapidement.

Comment êtes-vous devenu designer ?

Depuis mon enfance, je dessine plus d’objets que de personnes et quand j’avais 10 ou 12 ans, je voulais devenir designer automobile. Mais quand j’ai commencé à comprendre ce qu’était qu’être designer, j’ai réalisé que c’était la conception en soi qui me plaisait. C’était un objectif qui m’a fait commencer à prendre des décisions pour y aboutir et ce depuis très jeune.

L’idée de disposer d’un studio indépendant me permettant de travailler sur plus qu’un genre de choses est aussi présente depuis longtemps, depuis que j’ai commencé à voir des œuvres du studio Eames, Castiglione… J’étais plus attiré par cela que de travailler dans une entreprise à faire un seul type de chose.

Quels auteurs sont vos référents en matière de design ?

Eames, Castiglione, Prouvé, Magistretti… Ce sont des personnes qui ont fait de grands pas dans le monde du design, qui travaillent comme j’essaie de le faire : très proches du client et à la recherche de solutions appropriées à ce que vous êtes en train de faire, mais d’une manière différente de ce qui avait été fait auparavant. Je pense qu’ils avaient l’avantage que les choses se faisaient avec plus de temps et qu’il y avait moins de saturation. C’est peut-être pourquoi il est plus facile d’idéaliser ce qu’ils ont fait à leur époque.

Avec quel professionnel de l’architecture et du design voudriez-vous vous connecter / collaborer ?

Je partage le studio avec d’autres designers (Okay Studio) et de temps en temps nous faisons quelques choses ensemble. J’ai fait un projet avec Jordi Canudas ou avec Andrew Haythornthwaite. Je pense que c’est bien de ne pas être enfermé dans la façon dont vous voyez les choses, cela fait partie du processus d’enrichissement. J’enseigne dans un master à l‘ECAL et j’aime beaucoup travailler avec les étudiants dans leurs projets finaux. C’est un peu différent en raison de la relation entre enseignant et élève, mais j’aime travailler avec des designers inconnus. Il n’est pas nécessaire qu’ils soient célèbres, mais simplement que ce soient des gens qui ont une façon de faire les choses différente de la mienne. Il doit y avoir des affinités, mais oui, j’aime bien collaborer.