Que les êtres humains aient toujours voulu exprimer leur capacité créative en utilisant le bois est un fait bien connu. En effet, il y a quelques années à peine, nous apprenions que la plus ancienne sculpture monumentale au monde faite de ce matériau, la célèbre Idole de Shigir – une figure anthropomorphe trouvée en 1890 dans une tourbière de l’Oural, en Sibérie – date du début de la période post-glaciaire holocène.
12 000 ans plus tard, des hommes et des femmes continuent de tailler le bois, de le traverser, de le modeler à volonté dans une sorte de jeu, ou de défi intime, avec du volume et de l’espace. Voyons ce qu’en pensent une demi-douzaine de sculptrices et sculpteurs de renom dont les œuvres font partie d’expositions, de musées d’art contemporain ou de collections privées.
Quel sens enferme le bois ?
Il est difficile de ne pas identifier Francisco Leiro (Cambados, Pontevedra, 1957) au bois. Cet artiste aussi galicien qu’universel — qui expose régulièrement au salon ARCO depuis 1986, qui s’est installé à New York deux ans plus tard et qui vient d’exposer une rétrospective au MARCO de Vigo — l’utilise beaucoup dans son travail. Pour lui, le bois possède toutes les qualités. « Le bois est un matériau chaleureux, organique et pour certains travaux, il est merveilleux dans le sens où il supporte très bien les assemblages, la polychromie, les patines, les finitions au feu, et c’est un merveilleux support pour la peinture », dit-il.
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Dans le cas de l’artiste luxembourgeois Jhemp Bastin (Ettelbruck, 1963), il s’est toujours senti attiré par cet élément. « J’ai choisi le bois car ce n’est pas un matériau homogène ou « neutre ». Lorsque je regarde les bûches dans mon atelier, j’essaie de saisir leur forme exacte, leurs courbes, leurs rotations ou tout autre trait distinctif, et j’essaie aussi de voir ce qui se cache à l’intérieur. Mes sculptures sont le résultat d’un dialogue entre la matière naturelle et ma vision artistique », explique Bastin.
Pour les Guipuzcoans Claudio et Juan, créateurs de Flotboats, un projet artistique qui depuis l’hiver 2015 réunit la mer et la création à travers des pièces uniques (bateaux, phares, voiliers, sous-marins) réalisées à la main avec du métal recyclé et, surtout, du bois de drift, ramassé sur la plage, « c’est une matière vivante, organique, aux textures, duretés et tonalités variées. C’est ce qui le différencie d’autres matériaux comme le béton ou le métal ».
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Leur compatriote Eguzkiñe Egaña, artiste numérique et artisanale, graphiste et céramiste qui a commencé à intégrer le bois dans sa production, y voit les mêmes qualités : « C’est un matériau naturel, beau, chaleureux, biodégradable, facile à travailler et très polyvalent. Je m’intéresse à sa qualité esthétique, mais aussi à ce qu’il évoque en nous ». A ce stade, il insiste sur l’idée : « Je pense que nous avons une relation très profonde et archaïque avec les forêts. Les arbres et le bois sont profondément ancrés dans notre esprit. Cet attachement émotionnel que nous portons en nous rend ce matériau intemporel ».
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La tradition et l’héritage familial sont-ils une influence ?
Mais d’où vient cette inclination ou cet attrait pour le bois comme ressource sculpturale ? L’Italien Aron Demetz (Vitipeno, 1972), l’un des grands représentants de la sculpture actuelle en bois, allait être prothésiste dentaire, même s’il faut dire qu’il a grandi entouré de forêts et de montagnes, dans l’un de plus beaux villages des Alpes, avec une longue tradition artisanale. « Je suis venu à l’art par un chemin indirect, bien que chaque lieu influence la personne », explique Demetz, qui a présenté son travail à deux reprises à la Biennale d’art de Venise.
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Bastin, par exemple, est né dans la région des forêts des Ardennes et, enfant, il passait beaucoup de temps à marcher entre les arbres. Cela, sans aucun doute, marque. Leiro, pour sa part, a appris à travailler le bois dans l’atelier de menuiserie de son père et de son grand-père, qui fabriquaient des meubles. « De cette expérience, ainsi que de mes premières œuvres de sculpture surréaliste, sont nées mes œuvres où je fusionne le mobilier avec le corps humain », explique l’artiste, membre de l’Académie royale des beaux-arts de San Fernando depuis quelques mois seulement.
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Rosemarie Castoro (1939-2015) a mené un parcours différent. Née à Brooklyn, cette artiste était multidisciplinaire : elle était peintre, sculptrice, danseuse, performeuse, photographe, graphiste, poétesse ; et même si elle détestait être catégorisée, elle est venue au bois plus tard et presque sans faire exprès. C’est ce que raconte Werner Pichler, qui était son mari et le co-fondateur de la fondation de l’artiste. « Je pense que le choix du matériau est souvent venu par nécessité. Rosemarie a commencé à travailler le bois alors qu’elle s’absentait plus longtemps de son atelier. Elle travaillait auparavant avec de la résine époxy, mais elle ne pouvait pas le faire lorsqu’elle n’était pas dans son atelier. Ainsi, lorsqu’elle enseignait la sculpture pendant cinq mois à Boulder, dans le Colorado, elle a découvert le bois comme nouveau matériau, ainsi que la bouse de vache », se souvient Pichler. Bien des années plus tard et à des milliers de kilomètres de là, Egaña, autre créatrice polyvalente, a ressenti le besoin urgent d’utiliser ses mains « pour créer » après de nombreuses années d’overdose numérique. « Maintenant, je suis plongée dans le monde de la sculpture », dit-elle.
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Est-ce que n’importe quel bois est bon pour la sculpture ?
« Oui, mais tout dépend du type de travaux que vous allez entreprendre. » Leiro dit qu’il aime jouer avec les dimensions : dans son atelier, des œuvres gigantesques, jusqu’à trois mètres de haut, cohabitent généralement avec des figurines jibarisées d’à peine cinquante centimètres. « L’échelle des œuvres dépend de l’idée originale et doivent toujours tenir compte de l’espace où la pièce sera située », précise-t-il.
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Demetz est du même avis concernant le choix du matériau : « Vous pouvez utiliser presque tous les types de bois, cela dépend de ce que vous voulez en faire ». Il a créé des pièces avec du tilleul, du cerisier, de l’érable, du sapin, du peuplier, du séquoia, du cèdre… En fait, il estime que la matière est, comme l’artiste, responsable de la pièce finale : « La décision est commune, chaque œuvre a besoin de son propre morceau de bois, en tenant compte du concept, de la taille et de la couleur ».
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Pourtant, Bastin a ses arbres préférés, « tous deux nécessaires à mon travail ». Il s’agit du chêne, « fort, dur, rugueux et un peu grossier, mais aussi très sensible », et le hêtre, « plus élégant, doux et, d’une certaine manière, charmant ». Et il choisit toujours des bûches de la région où il habite : « Il y a un certain sentiment de familiarité ».
Dans le cas du travail réalisé par Claudio et Juan, c’est la mer elle-même qui sculpte le bois de drift, qui arrive aux criques, heurte les rochers, s’use et acquiert ainsi différentes formes et textures. Un processus qui rend chaque pièce unique. « Nous partons toujours à la recherche de ces « trésors » avec beaucoup d’enthousiasme, même si nous ne les trouvons pas toujours », confessent-ils. Le recyclage est leur devise : « À l’occasion, nous avons utilisé du bois qui ne provenait pas de la mer, comme le bois restant de la construction du navire San Juan à Pasaia, mais notre intention est de le réutiliser ».
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Eguzkiñe Egaña ne le conçoit pas non plus autrement. Elle utilise le bois dans sa forme la plus naturelle pour ses pièces, tel qu’elle le trouve sur la plage ou à la montagne. Le résultat de ses découvertes — des branches qui s’échouent sur la plage de Zarautz emportées par les rivières — est une intervention éphémère (qui a pour titre D’où venons-nous ? Vers où allons-nous ?) avec trois sculptures géantes installées sur le banc de sable lui-même. « L’objectif est de réfléchir, en tant qu’espèce humaine, à l’idée que nous faisons partie de la nature, nous en sortons et y retournons, dans un cycle continu, et en même temps nous prenons conscience de notre existence éphémère sur la planète » explique-t-elle.
Castoro a également sculpté avec différents types de bois. Au lieu de dire « ça doit être du pin ou du bouleau », leurs critères portaient davantage sur la taille, la forme et la disponibilité, explique Werner Pichler. C’est ce qui arriva, en 1978, pour son installation extérieure Trap A Zoid à Battery Park, New York, pour laquelle elle avait besoin de troncs d’arbres. « J’ai trouvé une note dans laquelle elle dit qu’elle a contacté le département des parcs et forêts de New York pour demander des arbres qui avaient déjà été abattus. Donc, elle a essentiellement recyclé », dit-elle.
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Comment abordent-ils le processus de création ?
Une question se pose alors : face au tronc d’où sortira l’une de leurs pièces, ces sculpteurs sur bois partent-ils d’une idée très claire ou laissent-ils une certaine marge à la spontanéité ? Claudio et Juan, de Flotboats, se laissent d’abord guider par le bois « puis, pendant la partie la plus créative, nous aimons improviser ».
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Dans le cas d’Egaña, il est habituel de combiner les deux itinéraires simultanément. « Mais il m’arrive souvent, lorsque l’on choisit le premier chemin, celui de tout ce qui est super pensé et esquissé, qu’au cours du processus, le projet suive son propre chemin et alors le résultat est très différent. Ces accidents qui arrivent habituellement procurent beaucoup de joie et le résultat est infiniment bien meilleur que ce que vous aviez prévu », assure-t-elle. Leiro, par contre, part toujours des dessins ou modèles précédents lors de la sculpture. « Et à partir de là, je calcule les tailles et les matériaux dont je vais avoir besoin », dit-il. A l’image d’Aron Demetz, qui étudie chaque étape en détail : « Je prépare mon travail pendant longtemps et la phase de planification me prend beaucoup de temps avant de décider de lui donner forme ».
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Le travail de Rosemarie Castoro en tant que sculptrice était un processus continu. « Tant dans le choix du matériau que dans la manière de le travailler et dans le résultat final », précise son mari. Celui de Bastin « exige une grande conscience du processus ». « Comme je ne sais pas exactement ce qui se cache derrière l’écorce de l’arbre et à l’intérieur du tronc, je dois à tout moment reconsidérer mon idée initiale et voir comment elle peut évoluer. Ce processus de travail nécessite une approche lente, ce qui signifie que, travaillant avec une machine rapide, je dois procéder très lentement, soigneusement et consciemment ». L’artiste luxembourgeois le dit parce qu’il travaille toujours avec une tronçonneuse, son outil idéal pour pénétrer le bois, « une machine rude et brutale qui s’accorde très bien avec le caractère fort et puissant d’un arbre ». « Après la première approche, mon idée initiale et l’évaluation de l’arbre, je commence le vrai travail physique. Mon atelier devient alors un endroit très bruyant où l’air est rempli de sciure de bois. C’est un travail physiquement lourd et un processus très exigeant car il faut constamment réévaluer chaque étape. Pourtant, c’est justement cette partie que j’aime le plus car je suis en contact actif avec la matière. C’est ce point de rencontre où l’effort physique, la concentration, le bois, la technique, la forme et l’idée se rejoignent pour donner naissance à une nouvelle forme, une nouvelle sculpture », détaille-t-il.
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Et qu’en est-il des autres matériaux ?
Leiro a créé des sculptures avec du granit et du métal, avec du marbre, du fer forgé, de l’acier et du fil, mais aussi avec des ressources d’origine synthétique comme les résines, la fibre de verre, le vinyle ou le polyester. « Je n’exclus aucun matériau », avoue-t-il. Et il l’explique : « La qualité de la sculpture n’est pas dans la matière mais dans la sculpture elle-même. Certains matériaux conviennent mieux à certains travaux que d’autres ». La voracité en termes de matériaux est une autre des caractéristiques distinctives de Demetz. « Je veux tous les essayer », déclare avec force le sculpteur italien. Les créateurs de Flotboats et Egaña chantent un « vade rétro » catégorique au plastique. « Cela provoque beaucoup de dégâts et ça n’attire pas mon attention », dit l’artiste de Gipuzkoa. Plâtre, graphite, résine époxy, plomb, acier, béton… Tous ces matériaux sont passés par l’atelier de Castoro avant le bois. Une chose mène à une autre. Évolution pure. « Plus longtemps j’utilisais un certain matériau, mieux je le maîtrisais, plus je perfectionnais ses méthodes. Quand je travaillais le bois, il m’arrivait quelque chose de similaire », se souvient Pichler.
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Le bois permet-il d’expérimenter et d’explorer ?
Il est indéniable que Castoro a signé une production hybride, pluridisciplinaire et hautement expérimentale. Demetz, de même que Leiro, une fois la technique assimilée, explore la figure humaine avec le bois au-delà des formes habituelles. L’Italien, certes, crée des sculptures à l’aspect angoissé, les marque avec des cicatrices. Il mêle beauté et distorsion dans son travail. Au lieu de présenter des œuvres polies et perfectionnées, il préfère les textures du bois et sa transformation par divers processus naturels. Il les recouvre de copeaux comme de la fourrure, ou verse de la résine dessus, expérimente avec le feu. « La carbonisation donne au matériau un statut indubitable, déclenchant des réactions reconnaissables par le spectateur et laissant suffisamment de place pour créer sa propre pensée », explique Demetz. Leiro, ici, semble être de la même école : « J’aime laisser le spectateur finir l’œuvre ou l’interpréter comme il l’entend.
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L’expérimentation, pour Egaña, est le moteur, la motivation, la curiosité, la nouveauté. « Je pense que sans cela, la magie s’arrête », dit-il. « Bien que vous fassiez une pièce qui pourrait a priori être classée comme quelque chose de traditionnel, l’expérimentation est toujours présente, car vous essayez de nouvelles formes, combinez avec différents matériaux ou appliquez des émaux que vous n’aviez jamais utilisés auparavant. Pour moi, il y a toujours quelque chose de nouveau », ajoute-t-il. Bastin, dans ses œuvres, a toujours préféré jouer avec les contrastes : le transparent et le sombre, le plein et le vide, le géométrique et l’organique. « Ainsi, la sculpture devient un point de rencontre entre les formes naturelles et le concept artistique », précise-t-il. « D’une certaine manière, je m’intéresse davantage à ce qui se passe à l’intérieur de l’arbre, alors je coupe de plus en plus profondément dans le bois pour créer des creux, des lignes de lumière, de la transparence, de la fragilité, de l’équilibre, du mystère… ».
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Et dans l’avenir, voyez-vous plus de bois ?
Sans doute. C’est un matériau sculptural unique, plus actuel que jamais. « Le bois est notre marque de fabrique la plus importante. Nos pièces ne seraient pas comprises dans un autre matériau », assurent Claudio et Juan. C’est aussi le matériau qui définit Metz, qui travaille constamment sur de nouvelles œuvres, et Francisco Leiro n’entend pas cesser de créer avec. « Je vais continuer à travailler le bois car c’est le matériau idéal. Je ne me lasse pas d’entrer dans l’atelier le matin et de sentir le bois et ses différents parfums, que ce soit le châtaignier, le cèdre, le chêne ou le pin lui-même », raconte-t-il. « J’ai essayé différentes formes d’expression du bois », ajoute Bastin, « et je pense que c’est un matériau merveilleux qui a encore beaucoup de potentiel à explorer ». Il ne reste qu’à sculpter !
