Arturo Álvarez dit qu’il n’a pas eu trop de maux de tête lorsqu’il a vendu son entreprise de lampes au milieu de la pandémie pour réduire ses effectifs et se plonger plus profondément dans la création de pièces artistiques uniques axées sur le luxe durable. Un véritable exemple de courage et de caractère.
Avec plus de trente ans d’expériences, Álvarez s’est imposé comme une icône mondiale, avec des œuvres exposées dans des musées et des galeries d’art contemporain. Parmi ses prix les plus récents figurent le Meilleur de L’Année du design d’intérieur en 2014 et le prestigieux Good Design Prix décerné par le Chicago Athenaeum en 2008 et 2009. Son travail a été salué dans des magazines renommés tels que Domus et Architectural Digest et ses pièces se retrouvent dans les espaces les plus exclusifs du monde, des restaurants étoilés Michelin aux collections privées. Dans ce CONNEXION AVEC… Arturo Álvarez partage sa vision sur l’évolution du design contemporain et les défis de la durabilité dans l’art et l’éclairage.
Vous avez travaillé le verre, la lumière, le bois… Et aussi tout ce que vous trouvez autour de votre atelier. Quel est votre matériau préféré et pourquoi ?
Je n’ai pas de matière préférée. Tout au long de ma carrière, j’ai expérimenté de nombreux matériaux différents, les décontextualisant de leurs usages habituels, les défaisant et les reconstruisant. J’en ai créé d’autres, en mélangeant différents éléments pour obtenir des textures qui m’intéressaient, comme pour mettre en valeur la lumière. Dernièrement, j’ai travaillé de différentes manières, avec différentes mailles métalliques. Ma relation avec les matériaux est une recherche et une investigation constantes qui me conduisent vers de nouveaux langages et formes expressives.
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Vous avez été récompensé pour la création d’un nouveau matériau : Simetech. Comment s’est déroulé le processus d’idéation ? Travaillez-vous sur de nouvelles propositions ?
Simetech est né du besoin de rechercher à la fois texture, transparence, flexibilité et de celui de valoriser une lumière chaleureuse. Maintenant, comme je le disais, j’explore les mailles métalliques, les volumes, les projections d’ombres qu’ils créent lorsqu’on leur applique de la lumière, et les effets de la tridimensionnalité.
Comment trouvez-vous l’inspiration dans votre vie quotidienne ? Êtes-vous plutôt digital, préférez-vous les expériences au-delà des écrans ou combinez-vous les deux ?
Pour moi, tout est source d’inspiration, mais surtout la nature de la Galice, les voyages, les conversations, la lumière à l’aube ou au crépuscule, la pluie… Je ne suis pas du tout numérique quand il s’agit de travailler ; j’aime beaucoup utiliser mes mains, faire des modèles, jouer avec les matériaux, défaire des choses pour créer à nouveau quelque chose de nouveau.
Comment êtes-vous arrivé à la sculpture ? Et comment la combinez-vous avec l’éclairage ?
C’était un processus naturel, j’ai traversé des cycles et j’avais besoin d’aller plus loin à chaque étape, en remettant les choses en question. J’en ai eu assez de fabriquer des lampes utilitaires en série ; j’avais besoin de m’exprimer autrement, et c’est ainsi que sont nées les sculptures, les volumes, les projections sur les murs, les plafonds ou les sols. La lumière, de nos jours, commence à être accessoire. Ma carrière est liée à la lumière et c’est un langage familier, mais avec le temps, cela devient secondaire. Je suis plus intéressé par ce que je peux transmettre avec les sculptures.
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A-t-il été difficile de prendre la décision de vendre une entreprise en pleine pandémie et d’opter pour une réduction des effectifs ?
Vendre l’entreprise de lampes n’a pas été difficile du tout ; en fait, nous y avions déjà pensé et la pandémie a été l’excuse pour le faire. Nous voulions avoir un projet très bien conçu, un studio / galerie d’art, où je ferai ce que j’aime vraiment : des pièces uniques et des éditions limitées.
Comment avez-vous décidé de combiner votre atelier et votre galerie, et que vous offre cet espace ?
Je l’ai fait sur ce qui était l’ancien entrepôt où l’entreprise de lampes est née. Le plus curieux est que les neuf salles d’exposition étaient déjà là. Tout ce que j’ai fait, c’est vider tous les espaces et les laisser pour l’affichage. L’atelier est merveilleux et je me sens très chanceux de l’avoir car il me permet de créer de nombreuses installations différentes, que je change tout au long de l’année. C’est très évocateur et stimulant, et cela m’aide beaucoup dans le processus créatif.
Vos œuvres introduisent l’art dans les espaces de vente. Comment des pièces uniques, totalement différentes des modèles produits en série, sont-elles acceptées dans ce secteur ?
Le commerce de détail n’est pas vraiment notre cœur de métier, et si nous parlons de commerce de détail, il y a très peu d’espaces, sélectionnés, qui fonctionnent à un niveau élevé ou très élevé, et qui intègrent également l’art. Notre principal domaine d’intervention est la réalisation de projets résidentiels, institutionnels, commerciaux et personnalisés.
De quel projet êtes-vous le plus fier ?
Tous les projets sont toujours attrayants, surtout lorsqu’ils me demandent quelque chose d’ad hoc, comme c’est le cas d’une collaboration avec Finsa pour la Milan Design Week cette année avec « Underlight ». Sortir de ma zone de confort et explorer des sujets autres que ceux que j’aborde habituellement est toujours stimulant et un bon exercice de créativité.
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Que peuvent voir les visiteurs de l’exposition Underlight à la Milan Design Week ?
Underlight vise à raconter l’histoire de la vie de Finsa d’un point de vue plus émotionnel, en mettant en avant ses valeurs, en établissant l’union entre les matières premières nobles et l’interaction humaine dans un dialogue permanent et en soulignant la connexion atlantique. Nous sommes atlantiques, et cela définit la personnalité de l’entreprise, en plus de servir de moyen de communication, unissant les cultures et les branches.
Je fais tout cela à l’aide de diverses installations, sculptures sur lesquelles j’applique de la lumière, créant des projections à grande échelle sur le mur. La tridimensionnalité qu’ils acquièrent rend l’ensemble, visible dans chaque pièce, très puissant, voire enveloppant. En complétant l’expérience visuelle par des aspects olfactifs et auditifs, nous cherchons à valoriser l’élément émotionnel, primitif, ancestral avec lequel nous nous connectons tous. Le jardin de devant, doté de grandes sculptures représentent des figures humaines, situées dans un décor simulant une forêt, en prélude à ce que l’on peut apprécier à l’intérieur.
Dans cette exposition, les procédés que j’utilise sont visibles et la manière dont je souhaite les montrer. Pour moi, le plus important est que l’observateur reparte surpris et avec une idée intériorisée des valeurs de Finsa, que Finsa est bien plus que ce que l’on voit.
