Il y a des moments dans l’enfance qui marquent notre empreinte professionnelle en tant qu’adultes. Le Palais de Versailles et la figure de Marie-Antoinette ont été les guides d’inspiration pour que Patricia Bustos choisisse le design d’intérieur comme mode de vie.

Son studio fête son dixième anniversaire en 2024, restant fidèle au manifeste des 4 S : surprise dans les projets, sens et impact, singularité et durabilité. Nous parlons avec Bustos de son parcours professionnel, de son rôle de formatrice et des tendances que la nouvelle année nous réserve.

 

Comment s’est déroulée ta transition professionnelle du design de mode au design d’intérieur ?

J’ai toujours adoré le design d’intérieur ; cela me vient de famille. Mon père était fasciné par l’architecture et il m’a toujours transmis l’amour du design. Il était très bricoleur, très habile et je l’aidais toujours dans l’atelier ou lors des rénovations à la maison, avec la distribution et les designs. J’ai toujours eu une grande vision spatiale et l’harmonie visuelle me ravissait, tout comme pouvoir m’exprimer artistiquement.

L’un des moments qui m’a le plus marqué pour me consacrer à cela a été lorsque petite, on m’a emmenée visiter le Palais de Versailles. La figure de Marie-Antoinette, la palette de couleurs et la féminité me captivait, bien que la mode ait également été très importante pour moi.

Par hasard, j’ai fini par étudier le commerce et j’admirais beaucoup le groupe Inditex en tant qu’entreprise et en tant que pionniers de la démocratisation de la mode, alors je me suis formée à la Saint Martins School de Londres. Après la carrière, je suis allée travailler à Arteixo. Quand mon mari et moi avons décidé de nous marier, j’ai dû retourner à Madrid, et j’ai décidé de reprendre ma autre passion : le design d’intérieur. Une amie m’a proposé de monter un studio ensemble, et c’est là que tout a vraiment commencé.

 

Quelles différences as-tu trouvées entre habiller des corps et habiller un habitat ?

Conceptuellement, lorsque nous parlons de design, que ce soit de mode ou d’intérieur, nous considérons les proportions, l’harmonie, le rythme ou l’équilibre, et en cela, ils se ressemblent. Nous nous référons également à l’expression culturelle et à une narration qui raconte notre histoire à travers ces designs : en ce qui concerne la mode, si tu t’habilles comme la personne que tu veux être, tu le deviendras, et en design d’intérieur, car l’espace qui nous entoure influence profondément comment nous nous sentons.

Ce qui fait la différence, c’est d’anticiper les expériences qui surgiront dans l’espace que nous projetons. Il ne s’agit pas tant des matériaux, de la technologie ou de la géométrie, mais de respecter le mode de vie des personnes. Le design d’intérieur affecte nos émotions, et cela est reconnu depuis longtemps : Aristote expliquait qu’il existe un lien invisible avec ce qui nous entoure.

 

Tu es une fervente défenseure des formes courbes et aussi des couleurs… Qu’est-ce qui est le plus important dans un projet de design d’intérieur ? Quel rôle joue chaque élément ?

Le plus important, c’est que l’espace se connecte avec nous, nous rende heureux et nous projette vers ce que nous voulons être. S’entourer de beauté est fondamental pour savoir choisir dans la vie et profiter de l’élégance et de la bonté.

Il est scientifiquement prouvé qu’un environnement enveloppant et courbe nous procure plus de plaisir et de sécurité, tandis que les coins et les cassures nous stressent et nous alertent. Si nous regardons la mère nature, nous voyons que les lignes droites n’existent pas ; tout est sinueux et serpentant. Je plaide pour une combinaison correcte des deux éléments car l’ordre et l’organisation nous donnent confiance, et ainsi nous utilisons mieux l’espace et l’énergie (la chaleur se perd dans les coins et l’acoustique rebondit).

En ce qui concerne la couleur, je dirais que c’est l’un des éléments de design qui nous affecte le plus. C’est la variable la plus subjective de toutes et dépend de nos expériences personnelles. Tout ne doit pas être neutre, la couleur est la vie. Lorsqu’un être perd la vie, comme une fleur, il commence automatiquement à perdre sa couleur, c’est pourquoi un monde en noir et blanc serait si triste. Je ne comprends pas comment certains designers ne l’utilisent pas ; pour moi, c’est indispensable pour m’exprimer.

 

Quels sont tes matériaux préférés et pourquoi ce choix ?

Pour moi, les matériaux artisanaux sont indispensables. Il est clair que nous devons nous réconcilier avec la nature et arrêter le rythme effréné dans lequel nous nous sommes plongés. J’aime les processus lents, où l’attention aux détails et le soin sont fondamentaux. Je suis hypnotisée en regardant quelqu’un travailler le bois, la pierre ou l’osier, donc je dirais n’importe quel matériau naturel qui peut être travaillé de cette manière, bien que dernièrement, le marbre et le verre soufflé m’ont captivée.

 

Tu as donné des cours dans des écoles de design et même sur une plateforme de cours en ligne. Quels apprentissages tires-tu de ton rôle de professeur ? Est-il vrai que lorsque l’on enseigne, on enrichit également ses propres connaissances ?

Le romancier Robert Heinlein disait que lorsque quelqu’un enseigne, deux apprennent. J’ai pu approfondir toutes les facettes qui m’intéressent grâce à l’enseignement. L’étude de la couleur, de la bioarchitecture et de la neuroarchitecture m’ont beaucoup enrichie ces dernières années et m’aident à répondre à mes clients.

Quand tu comprends bien quelque chose, il est plus facile de trouver des solutions qui résolvent réellement. Et bien sûr, continuer à étudier et à apprendre est essentiel tout au long de la vie. De plus, être en contact avec les nouvelles générations de professionnels de l’architecture m’oblige à rester à jour et à me recycler constamment.

 

Ton studio fête une décennie. Quels grands succès et erreurs qui aident à reconstruire ont marqué ce parcours ?

La gestion d’une entreprise est très complexe. Maintenant, j’ai une équipe de conseil externe qui m’aide beaucoup, et j’aurais adoré avoir ce soutien dès le début pour standardiser les processus et avoir un contrôle plus professionnel de tous les projets. Quand tu commences, tout est émotion, envie et audace, mais avec le temps, tu te rends compte qu’il faut tout avoir sous contrôle pour obtenir les meilleurs résultats possibles.

En ce qui concerne les succès, je dirais paradoxalement cette même audace. J’ai réussi à atteindre des endroits inimaginables pour moi. Maintenant, nous concevons un musée expérientiel et immersif, ce qui représente également un défi incroyable, surtout au niveau technologique et audiovisuel. Je pense qu’il sera différentiel car je vais pouvoir implémenter beaucoup d’apprentissages dans d’autres secteurs comme l’hospitalité et même dans les foyers.

 

De quels projets es-tu la plus fière ?

Une maison complètement courbe de plus de 1 000 mètres carrés que j’ai terminée récemment. Concevoir avec des formes aussi organiques est techniquement difficile, et pour matérialiser les designs, des gabarits et beaucoup de travail manuel sont nécessaires, mais l’énergie que cette maison transmet est complètement merveilleuse. Nous développons actuellement un projet de villas de luxe pour un promoteur en Indonésie dont je suis également particulièrement fière.

 

Comment le secteur se transforme-t-il avec l’IA et autres avancées technologiques ? Quelle est ta vision de son influence sur la profession ?

Personne ne sait ce qui se passera avec ce changement de paradigme. Au studio, nous l’implémentons pour certains processus. Dans la partie design, cela nous aide à conceptualiser beaucoup plus rapidement et à pouvoir présenter les premiers croquis avec plus de clarté, atteignant des résultats plus ambitieux.

Je trouve peu probable que cela nous prenne notre travail car l’IA a besoin que nous la guidions et l’orientions, et pour l’instant, elle ne dispose pas de pensée abstraite ; elle ne peut pas relier des concepts à des expériences et des souvenirs. Albert Einstein disait que l’imagination est plus importante que la connaissance, et pour moi, l’innovation est un art et, en tant que tel, a besoin de pensée abstraite, d’intuition, de conscience et de compréhension subjective. De plus, faire des erreurs nous a conduits à de grandes découvertes ; y a-t-il quelque chose de plus humain que l’erreur ?

 

Quelles tendances vois-tu se démarquer dans le design d’intérieur pour 2025 ? Je continue à voir des courbes, mais dans mon cas, c’est une déformation personnelle. Aussi, plus de couleurs et des environnements plus contrastés, en plus de la culture japonaise, la patine ou l’éloge de l’ombre. Les ombres ne cachent pas, mais révèlent la profondeur et la sérénité des choses. Je pense également que l’éclairage prend un rôle très, très important dans l’espace. La lumière est un élément crucial pour la décoration, et enfin, nous mettons plus l’accent dessus.

Je me risque à prédire quatre tendances : des intérieurs avec une technologie invisible et de plus en plus durable (où la durabilité consciente n’est pas obtenue au détriment de la beauté), des intérieurs biophiliques de plus en plus en harmonie avec la nature ; une esthétique sensorielle personnalisée et enfin, l’artisanat et l’authenticité, en se connectant avec des artistes locaux qui préservent la culture de chaque région.

 

Comment trouves-tu l’inspiration au quotidien ? Es-tu plus analogique ou digitale ?

Je suis les deux ! J’adore me promener, dessiner et je fais attention à tout. J’adore la philosophie et l’histoire, c’est pourquoi conceptualiser me semble assez facile. Je cherche généralement l’inspiration dans les livres et je m’imagine des espaces. Ensuite, je cherche des images de référence et je fais des essais avec l’IA.

Dernièrement, nous faisons des expériences avec des restaurants, comme nous l’avons fait avec Arquetopia, un restaurant utopique qui symbolise notre concept le plus radical de l’espace entre artisanat et rêves.

Les réseaux sociaux, nous inspirent-ils ou nous intoxiquent-ils ?

Eh bien, je considère aussi qu’ils font les deux. Nous sommes pure contradiction et presque tout doit être pris avec modération. Les nouvelles générations ont beaucoup plus de culture visuelle précisément grâce à l’accès à ces galeries infinies, mais il y a aussi le danger de perdre l’originalité. Cela m’aide beaucoup à retrouver des choses du passé, des architectes iconiques, des mouvements artistiques et des cultures ancestrales… Il y a de l’or là-dedans, et ensuite nous passons tout par notre filtre contemporain.